«Основні напрямки в роботі з ансамблем»
Трошина Віра Тимофіївна,
викладач Дитячої школи мистецтв по класу гітари
м Ртищево Саратовської області
Ритм як фактор ансамблевого єдності
Серед компонентів, які об'єднують учнів в єдиний ансамбль, метро-ритму належить чи не головне місце. Дійсно, що допомагає ансамблісти (а їх може бути два і більше) грати разом, щоб створювалося враження, ніби грає одна людина. Це відчуття метро-ритму. Він, по суті, виконує функції диригента в ансамблі, відчуття кожним учасником сильних часткою є той «прихований диригент», «жест» якого сприяє об'єднанню ансамблістів, а, значить, і їх дій в одне ціле. Відчуття сильних і слабких долей такту, з одного боку, і ритмічна визначеність «всередині такту», з іншого, ось той фундамент, на якому ґрунтується мистецтво ансамблевої гри. Єдність, синхронність його звучання є першим серед інших важливих умов. Якщо при неточності виконання інших компонентів знижується тільки загальний художній результат, то при порушенні метроритма руйнується ансамбль. Але не тільки в цьому значення метроритма. Він здатний впливати і на технічну сторону виконання. Ритмічна визначеність робить гру більш впевненою, більш надійної в технічному відношенні. До того ж, учень, який грає неритмічно, більше схильний до всякого роду випадковостей, а від випадковості, як відомо, пряма дорога до втрати психологічної рівноваги, до зародження хвилювання. Як же домогтися того, щоб кожен з учасників, виконуючи свою партію, зміцнював ритмічну основу всього ансамблю? Необхідно систематично і наполегливо працювати в цьому напрямку. В ансамблі, зрозуміло, можуть бути виконавці, у яких по різному розвинене почуття ритму. Починати потрібно з виховання почуття абсолютного точного і «Метрономного» ритму: він і стане об'єднуючим началом в загальному колективному ритмі. Необхідно, щоб в ансамблі були ритмічно стійкі виконавці. Тоді і інші почнуть тягнутися до більш сильним в ритмічному відношенні.
Динаміка як засіб виразності
Граючи в ансамблі, необхідно бути економним у витрачанні динамічних засобів, розпоряджатися ними розумно. Треба виходити з того, що, як би ансамбль не був би багатий яскравими за тембром інструментами, одним з головних його резервів, які надають звучанню гнучкість і витонченість, є динаміка. Різні елементи музичної фактури повинні звучати на різних динамічних рівнях. Як в живопису, так і в музиці нічого не вийде, якщо все буде мати рівну силу. У музиці, як і в живописі, є передній і задній план. Виховавши таке відчуття динаміки, ансамбліст безпомилково визначить силу звучання свій партії щодо інших. У тому випадку, коли виконавець, в партії якого звучить головний голос, зіграв трохи голосніше або трохи тихіше, його партнер негайно зреагує і виконати свою партію також трохи голосніше чи тихіше. Важливо, щоб міра цих «трохи» була б точною.
Як практично працювати над динамікою в ансамблі. Спочатку необхідно навчитися грати в межах того чи іншого динамічного відтінку абсолютно рівно. Наприклад, можна запропонувати зіграти всім учасникам одну ноту або гамму на рівному P (піано), потім на рівному mf, і так слід пройти всі динамічні ступені. Безумовно, сила звуку - поняття не настільки певне, як висота звуку mf на гітарі не дорівнює mf на фортепіано, f на балалайці - не одне і те ж, що f на баяні. Виконавець повинен виховувати у себе розвинений слух (мікрослух), доповнивши динаміку поняттям мікродінамікі, що означає здатність реєструвати найменші відхилення в бік збільшення або зменшення сили звуку.
Темп як засіб виразності
Прийоми досягнення синхронності ансамблевого звучання
Під синхронністю ансамблевого звучання слід розуміти точність збігу в часі сильних і слабких часток кожного такту, граничну точність при виконанні дрібних тривалостей усіма учасниками ансамблю. При розгляді проблеми синхронного виконання потрібно виділити три моменти: як почати п'єсу разом, як грати разом і як закінчити твір разом. В ансамблі повинен бути виконавець, який виконує функції диригента, він зобов'язаний іноді показувати вступу, зняття, уповільнення. Сигнал до вступу - невеликий кивок голови, що складається з двох моментів: ледь помітного руху вгору (ауфтакти) і потім - чіткого, досить різкого (раз) руху вниз. Останнє служить сигналом до вступу. Кивок не завжди робиться однаково, все залежить від характеру і темпу виконуваного твору. Коли твір починається через такту, то сигнал, по суті, такий же, з тією різницею, що якщо в першому варіанті при підйомі голови була пауза, то в даному випадку вона заповнюється звучанням затакту. На репетиції можна прораховувати порожній такт, можуть бути слова: «Увага, приготуватися, почали», після слова «почали» повинна бути природна пауза (як би вдих). Задля досягнення синхронності ансамблевого звучання багато що залежить від характеру музики. Помічено, що в п'єсах активного, вольового плану це якість досягається швидше, ніж в п'єсах спокійного споглядального характеру. Те ж саме можна сказати і щодо «старту».
Навряд чи є необхідність підкреслювати, наскільки важливо закінчити твір разом, одночасно:
а) останній акорд - має певну тривалість, - кожен з ансамблістів відраховує «про себе» метричні частки і знімає акорд точно під час.
б) акорд - над яким варто фермата, тривалість якого необхідно обумовити. Все це відпрацьовується в процесі репетиції. Орієнтиром зняття може також бути і рух - кивок голови.
Якщо синхронність виконавця - якість, необхідне в будь-якому ансамблі, то в ще більшому ступені воно необхідне в такій його різновиди як унісон. Адже в унісон партії не доповнюють один одного, а дублюють, правда, іноді в різних октавах, що не змінює суті справи.
Тому недоліки ансамблю в ньому ще більш помітні. Виконання в унісон вимагає абсолютної єдності - метроритм, динаміці, штрихах, фразуванню. З цієї точки зору унісон є найскладнішою формою ансамблю. Доказом абсолютної єдності при виконанні в унісон є відчуття, що під час гри разом з іншими учнями ваша партія не прослуховується як самостійна. На жаль, цій формі ансамблевої гри приділяється мало уваги в навчальній практиці. Тим часом в унісон формуються міцні навички ансамблю, до того ж унісон цікавий візуально і в сценічному відношенні.
Коли учень вперше отримає задоволення від спільно виконаної роботи, відчує радість загального пориву, взаємної підтримки - можна вважати, що заняття в класі дали принципово важливий результат. Нехай це виконання ще далеко від досконалості - це не повинно бентежити педагога, все можна виправити подальшою роботою. Цінно інше, подолано рубіж, що розділяє соліста і ансамбліста, учень відчув своєрідність і інтерес спільного виконавства.
Список використаної літератури
Н.Різоль. Нариси про роботу в ансамблі. - 1986. - Москва.
А.Готліб. Перші уроки ансамблю.
П.Агафонін. Школа гри на гітарі шестиструнної. - Москва. - тисячі дев'ятсот вісімдесят три.